Création de vidéos par IA – Script-to-Vidéo avec HeyGen — Guide pas-à-pas

Bloquez l'idée, esquissez 3 à 5 scènes et définissez une voix unique et cohérente. inside avec cette approche, vous traduisez l’idée en un script concis et la convertissez en visuels que vous pouvez visionner grâce à une pile technologique basée sur des flux de travail assistés par l’IA. Utilisez existing des ressources pour accélérer le socle, et tester la première passe rapidement afin de valider le rythme et la clarté.

Choisissez angles et des indices de caméra, définir un voix style, et décider sur languages pour atteindre de nouveaux publics. En fonction de ces choix, le rendu final sera cohérent dans toutes les langues. Ce processus vous permet facilement de vous adapter à différents marchés et laisse toujours de la place pour des explorations supplémentaires ; si vous avez besoin d'itérations supplémentaires, effectuez une exploration rapide pour comparer le ton et le rythme.

Pour convertir les idées en clips finis, réutiliser les scripts existants, voix prompts, et des visuels de stock. inside le workflow, vous pouvez adapter le rythme, supprimer les redondances et améliorer engagement avec un texte concis et des éléments visuels. Traditionnellement, les équipes comptaient sur des cycles longs ; cependant, vous pouvez effectuer des tests rapides et évaluer les résultats, en affinant la sortie finale pour le public. La technologie derrière cette approche est de nature technologique, prenant en charge la sortie multilingue et des flux de travail d'auteur flexibles.

Préparation de script pour HeyGen

Recommandation : recommander un script principal de 120 à 180 mots, divisé en 8 à 12 plans, chacun véhiculant une seule idée dans un intervalle de 12 à 15 secondes. Ce script principal agit comme l'épine dorsale de ces versions, permettant une adaptation rapide à travers des expériences et des publics divers.

Phase one focuses on ideation and outlines. Create a two-column outline: left column narrates the shot; right column lists visuals and audio cues. Convert ideas into concrete lines, then label each line with timing benchmarks to ensure pace matches the plan. Then review for flow and concision, ensuring the idea translates into crisp visuals.

Planification des prises de vue : pour chaque prise, définir l'idée, l'intention prévue shots count, nombre de répliques, texte à l'écran, et post- notes de production. Cette clarté aide l'équipe de révision et ceux qui réutilisent les scripts à comprendre rapidement l'intention.

Versioning et ressources : produire au moins trois versions of the script: concise, descriptive, and punchy. Gather ressources tels qu'une liste de prises de vue, des notes de garde-robe et deux indices audio. Stockez-les dans un dossier partagé pour favoriser une itération rapide, une grande aide et une collaboration facile.

Contrôle qualité : répéter les répliques à voix haute, ajuster le rythme, supprimer les mots de remplissage. Un enregistrement de 60 à 90 secondes permet d’évaluer le rythme par rapport aux attentes de la phase et aux résultats attendus. Enregistrez la lecture pour repérer les formulations maladroites et éviter un langage complexe qui ralentit l’examen.

Plan de post-production : note des post-it pour les indications de couleur, de lumière et les repères audio. Liez chaque segment de script à une indication visuelle, ce qui rend l'intégration simple et reproductible. Ce plan peut offrir une cohérence entre les prises de vue et les équipes, ce qui permet de garantir des expériences et des résultats fiables.

Pourquoi cela aide : une approche structurée minimise les reprises de travail, améliore la précision et réduit le délai de publication. Le processus permet une itération plus rapide, des résultats beaucoup plus prévisibles et un flux de travail régulier entre les équipes. Conservez un free bibliothèque de modèles et de scripts exemples pour accélérer la préparation et les partager avec les collègues.

Pratique continue: maintenir une banque d'idées vivante, des listes de plans diversifiées et un référentiel de scripts existants. Examiner régulièrement l'alignement post-phase, et solliciter des commentaires rapides auprès d'un public témoin afin d'affiner chaque phase. Simplifier toujours le chemin de l'idée au script final, en garantissant une qualité de création continue et une intégration transparente dans la production.

Comment formater les lignes, les étiquettes de locuteur et les horodatages pour l'importation directe

Exporter un fichier CSV qui utilise une ligne d'en-tête et quatre colonnes : line,speaker,start,end ; les heures doivent être au format HH:MM:SS.mmm ; valider via une importation d'exemple dans l'éditeur pour confirmer l'alignement, et ajuster toute discordance avant la production. De plus, conserver le texte des lignes entre guillemets s'il contient des virgules.

• Définitions des colonnes : première ligne, orateur second, début troisième, fin quatrième ; utilisez un ordre cohérent pour garantir que les analyseurs actuels lisent correctement.
• Étiquettes des locuteurs : attribuer des ID courts (SP01, SP02) ou des noms ; conserver des étiquettes dans un seul schéma à travers les scènes ; des identifiants divers aident à garder les choses claires pendant le repérage et la postproduction.
• Format de l'heure : HH:MM:SS.mmm, avec des zéros à gauche ; La fin doit être supérieure au début ; autoriser de minuscules écarts pour refléter les points de coupe.
• Encodage du texte : UTF-8 ; échapper les guillemets en les doublant ; éviter les caractères de nouvelle ligne dans un champ unique; limiter à 200–240 caractères par ligne pour la fiabilité.
• Contenu de la ligne : chaque rangée contient un seul segment parlé ; si un locuteur change, divisez en une nouvelle rangée avec un nouveau Départ ; évitez de combiner plusieurs pensées en une seule ligne.
• Contrôles de qualité : exécuter un aperçu d'importation, vérifier les nombres de lignes, l'ordre et les horodatages ; vérifier l'alignement avec le storyboard et ajuster en conséquence pour réduire les modifications ultérieures.
• Modèles types : fournissez un extrait CSV à partager avec les collègues ; cela permet d’apprendre rapidement le format et de rationaliser l’intégration. Les modèles conçus pour différentes échelles de projet deviennent une référence.
• Formats alternatifs : les fichiers TSV ou JSON peuvent être disponibles ; assurez-vous que l'outil d'importation mappe les champs de manière cohérente ; lors du choix, tenez compte de si votre pipeline préfère les tabulations ou un tableau JSON pour le traitement par lots.
• Idée de planification : repérer le script à l’avance ; des caméras et des angles variés peuvent améliorer les étiquettes de terrain si vous prévoyez des lignes séparées par angle ; cela améliore les résultats ultérieurement en postproduction ; un rythme prédictif peut être utilisé pour estimer les durées à l’avance.
• Validation : test avec un petit ensemble ; vérifiez les résultats dans l'éditeur ; l'exercice révèle des problèmes potentiels avant publication ; cela permet d'économiser des coûts et d'éviter les reprises.

Dans le même fichier, des colonnes facultatives telles que scene_id et camera_id peuvent être ajoutées pour capturer les variations selon les angles ; ces ajouts restent dans le schéma d'importation, permettant un rythme prédictif et une postproduction rationalisée. De plus, cette approche ouvre des possibilités au-delà de l'ensemble de champs principal, prend en charge divers appareils photo et réduit les coûts.

CSV example:

• line,speaker,start,end
• “Hello and welcome”,”SP01″,”00:00:01.000″,”00:00:03.200″
• “Proceed to topic two”,”SP02″,”00:00:03.300″,”00:00:05.000″

How to write camera, background, and prop cues that the platform recognizes

Begin by composing a cue sheet that lists CAMERA, BACKGROUND, and PROP cues on separate lines, placed before spoken lines to ensure alignment. This approach makes localization smoother for marketers and their teams, increasing the impactful effect of each shot and supporting their ability to deliver consistent, scalable content.

Adopt a fixed cue format such as: [CAMERA: close-up, eye-level], [BACKGROUND: neutral office, soft daylight], [PROP: notebook, pen], [VOICE: warm, confident]. Each cue ties directly to a short line of dialogue, keeping pace tight and facilitating localization across markets and their teams.

Define location and lighting conditions clearly: [CONDITION: natural light, overcast], [LOCATION: studio A]. These details prevent misinterpretation when teams work across locations and time zones, and they ensure the shot matches the intended mood.

Before scriptwriting, create a shot list: 1) intro close-up, 2) medium shot in location B, 3) closing wide. This reduces back-and-forth, accelerates learning, and improves their ability to produce scripts quickly, with concise cues that map to the spoken lines.

Then run a quick check on a draft to verify cue recognition; adjust wording to improve accuracy and reduce misfires that affect the final result, which saves edits and speeds delivery.

These conventions unlock artistic uses and invaluable possibilities across multiple locations. The impact is measurable: faster turnarounds, smaller revision cycles, and greater consistency across scripts; localization improves, and marketers can offer targeted messages that resonate. For teams that want to scale content across locales, this framework delivers increasing enhancements and lasting impact, then sustains momentum across future projects.

How to break scenes into shots for accurate timing and transitions

Start by outlining the scene’s core beat, then map it to 8–12 shots for precise timing and smooth transitions. This approach is powerful for ensuring consistency across takes and improves efficiency in planning.

Create a shot list that identifies subjects and actions per beat. This equips your team to decide framing and camera moves early, thereby speeding up decisions and ensuring coherence.

Structure shots into micro-sets: setup, action, reaction, and wrap. Each set should tell a part of the scene’s experiences, preserving artistry, and integrating sound and effects to heighten impact.

Choose shot lengths with natural pacing in mind: quick cuts for tension, longer takes for dialogue; then increasing tempo as the scene unfolds.

Use diverse framing: wide establishing, mid shots for interaction, close-ups for emotion. Align these with filming capabilities and available gear; this plan reduces costs.

Plan transitions with clear rules: cuts for tempo shifts, crossfades for emotional breathing, and motion-based transitions when subjects move.

Keep a quick log per shot: shot number, subjects, duration, camera move, and intended effect; this uses structure to inform editing.

Review before filming: run a fast read-through, adjust based on feedback, and decide final order.

During production, environmental sound and on-location ambience impact natural feel; ensure the plan supports their moments.

Post (upload) process: after filming, check timing against the audio track, thereby delivering a coherent flow; the result improves experiences and lets you tell your story clearly.

Let the process teach you to adjust decisions quickly; increasing flexibility lets you adapt to subjects and locations.

How to annotate emotion, pacing, and emphasis for AI voice rendering

Tag every sentence with a compact trio: emotion, pacing, emphasis, then feed these markers into a central editor so the AI can render a consistent speech tone before export.

Currently, teams are learning from patterns by using a shared template that captures tags per script, reuse settings, and generate new versions fast, effortlessly, requiring minimal manual edits.

For pacing, assign per-sentence tempo values: [pace: brisk], [pause: 250ms], [breath: short]. This dynamic approach keeps the narration engaging and helps the engine adjust to content changes, preserving viewers’ attention as scenes shift. This tagging also expands capabilities across the content stack.

Map emotion to context: [emotion: surprise] for twist, [emotion: warmth] for close dialogue, [emphasis: strong] on critical nouns. This helps viewers sense intent even when the speech is automated.

Before regional adaptation, keep a master script with stable markers and a log of changes. Scriptwriting teams can compose variations, and editors can tell differences, which lets you adjust cadence and emotion before finalizing the draft.

Export the annotated script as a structured file (JSON or CSV) so editors can access everything in the automation pipeline. Save templates, maintain versions, and ensure teams can access the latest markers before production day. This saves time and delivers a coherent line delivery for viewers, while allowing you to tell the overall story clearly and compose future edits.

Using HeyGen’s Script-to-Video Workflow

Begin by creating a shot list based on subjects, angles, and tone. Map each scene to a frame and outline the corresponding voiceovers and on-screen text based on the audience’s needs. This keeps everything coherent and ensures you generate assets based on a clear plan before you render anything. Cinematographers can use this as a basis for lighting and lens decisions.

1. Pre-production mapping: Based on the script, define subjects, establish a few core angles (wide, mid, tight), and lock the overall pacing. Maintain a shared notes sheet to track music cues, captions, and transitions. This lowers risk of mid-sequence edits and speeds up execution.

2. Asset and voiceovers setup: Prepare voiceovers in the target language with a consistent cadence. When possible, source free, high-quality assets and align them with the tone of each subject. Preload fonts and a frame-based color palette to ensure coherence across scenes. This gives you a solid base to become faster in production and always support viewers with clear narration.

3. Generation and framing: Generate initial frames using the tool. Focus on frame composition and camera angles–wide, medium, and close-ups. Produce several variants for each scene and compare side-by-side to pick the strongest framing. Keep the total frame count tight to maintain readability on mobile and desktop alike, enabling fast iteration.

4. Edits and refinements: After first renders, refine timing, adjust audio levels, and apply color corrections. Use concise edits to tighten pacing and reinforce the narrative arc. Document every update so teammates can review and reuse assets later.

5. Delivery and review: Export at the chosen resolution and aspect, validate on target devices, and gather feedback from stakeholders. Iterate quickly on any requested edits, then finalize assets for distribution. Look for opportunities to reuse assets in future campaigns and formats, often.

How to import a script file and choose import settings

Upload a plain script file (TXT or DOCX) first, and enable language auto-detect to ensure global compatibility. This quick step keeps your workflow simple and fast.

Plan the mapping: keywords organize topics; templates offer ready frames; cast identifies actors; shots define scene blocks; angles shape perspective; background fits mood; sounds set ambience.

Define the structure: insert scene breaks, indicate still frames for pauses, and set tone to match your brand.

Choose an import preset that aligns with your artistic goals: simple, cinematic, or artistic. Presets adjust color, pacing, and background layers, making the setup easy.

Review in quick preview: understand how lines convert to visuals, adjust the mapping to ensure accuracy, and refine keywords for better searchability.

Save your choices as a global profile; share notes with their cinematographers and cast; extra features such as generators allow rapid iteration.

Tips: ensure your script uses clear keywords, avoid ambiguity, keep background distinct from foreground, and test various angles to verify pacing.